En este taller abordaremos la cuestión de los archivos autónomos y exploramos las posibilidades que ofrecen las prácticas artísticas colectivas que abordan la cuestión del archivo, entendiendo éste tanto como material como estructura, dentro de procesos de articulación de contramemorias locales.

anaisflorin.com

Recorrido por la trayectoria del grupo artístico Art al Quadrat analizando el proceso de creación de los proyectos y su transformación a medida que se van realizando y modificando por las circunstancias externas. Se analizará el origen de los proyectos, la conexión con la biografía, las expectativas, si las fases del proyecto se cumplen siempre y las fuentes de documentación más habituales.

artalquadrat.net

Instrucciones de juego será un taller bien práctico y apenas teórico en el que veremos obras propias y ajenas, ejemplos maravillosos de artistas y anti-artistas y seleccionaremos algunos pequeños gestos, intervenciones en la vida real y acciones para consumarlas. Será una suerte de bricolaje alrededor de la vida cotidiana, los límites del espacio público, la convivencia, lo minúsculo y lo latente perpetrado con alegría.

ferminjimenezlanda.blogspot.com

Irene Grau propone un acercamiento a su propia práctica artística desde las ideas de proceso y contexto; compartir las diferentes estrategias y metodologías con las que se enfrenta a contextos específicos en su trabajo como artista a partir de casos concretos. Destacando cuestiones –naturales a cualquier proceso creativo pero generalmente ocultas– como la duda, el error, las ideas sin forma y las formas sin idea, los descartes y la toma de decisiones. Todas las jornadas se articulan desde el diálogo y se incluye una salida de campo en la que poner en práctica estrategias de aproximación a contextos o territorios específicos; una práctica alejada de la idea de la página en blanco y esencial en el arte contemporáneo.

irenegrau.com

Taller dirigido a alumnos dentro de la línea de investigación escénica y performance, abierto a todos los artistas y profesionales de las artes visuales que deseen completar su formación y adquirir versatilidad y flexibilidad a la hora de
concebir v poner en marcha provectos propios o colaborativos, de carácter transversal e interdisciplinario.
Tiene como objetivo sugerir rutas alternativas para el desarrollo y producción de materiales artísticos, promover nuevas estrategias de creación y ofrecer la posibilidad de experimentar y reflexionar acerca del lenguaje artístico, abriendo así potenciales líneas de investigación.

Workshop entocado a todos los estudiantes que quieran profesionalizarse como creativos independientes dentro del mundo de la creación artística de galería, muralismo y proyectos de decoración, la marca propia, la publicidad, el diseño y la ilustración.
El taller se plantea como una experiencia completa y se compone de tres partes: la conferencia/masterclass, el ejercicio práctico y por último el asesoramiento personal.

plancha de totopolímero como soporte para el grabado en hueco. Nos ofrece múltiples posibilidades a nivel artístico y plástico. Además de unas alta prestaciones a nivel tonal, dicho proceso minimiza en un altísimo porcentaje los riesgos de toxicidad bien conocidos y asociados al grabado tradicional. Mediante sus diferentes variantes a la hora de generar y construir la matriz, nos adentraremos de manera minuciosa en este proceso. Sin duda uno de los procedimientos de grabado más actuales y novedoso, el cual une la gráfica tradicional con los conceptos fotomecánicos y las técnicas digitales. Su estudio, control y entendimiento de todos y cada uno de los conceptos que intervienen en dicho proceso. nos proporcionara un magnifico control para poder realizar creaciones gráficas con un gran rigor.

Este proyecto propone utilizar el audiovisual como una herramienta de desarrollo a través de componentes educativos, culturales y artísticos. Creemos,  que mediante el trabajo audiovisual, podemos generar espacios de discusión y reflexión de la memoria colectiva, de rescate de la identidad individual y grupa de expresión personal en diversas formas. De esta manera las participantes usarán la herramienta del registro audiovisual y la creación narrativa para mantener viva esta memoria.

El taller ofrece sesiones de trabajo con modelo y con tema personal, además de llevar a cabo actividades de estudio para el conocimiento de la propuesta de artistas mexicanos, dibujantes con carrera de gran trayectoria, media carrera y emergentes, quienes gozan de una presencia importante en su desempeño a nivel nacional e internacional con propuesta que va desde lo mas tradicional del medio técnico a los emplazamientos del cuerpo, en la realización de acciones en diversos entornos.

El seminario hará hincapié más que nada en las prácticas no-tóxicas y de muy bajo impacto medio-ambiental, y en las resultantes oportunidades en cuanto a excelencia y mejora del procedimiento. Hace ya años el fabricante de pinturas acrílicas Lascaux ha desarrollado una pasta serigráfica, soluble al agua, retardante y emulsionante, para su uso con pinturas acrílicas para las bellas artes, descrito en el libro “Screenprinting – the complete water-based system” de Robert Adam y Carol Robertson, publicado en 2003. Más allá de los evidentes beneficios medioambientales hemos descubierto, que usando este medio alcanzamos una mayor calidad en nuestros productos en cuanto a brillantez del color y definición.

El taller “Música/Máquina” explora las relaciones entre espacio, tiempo y cotidianidad a partir del texto Rhythmanalysis de Henri Lefebvre. En este texto, el autor marxista invita al estudio de la noción de ritmo para poder pensar dos tipos de tiempo: un tiempo linear, que refleja la realidad capitalista, y un tiempo circular, que se relaciona con un tiempo cósmico y holístico. Para aplicar estas nociones, el taller parte del caso de estudio del cambio de modelo productivo en la Comunidad Valenciana: de una sociedad industrial a una de servicios. Para explorar estas cuestiones, tomaremos como punto de partida la historia de las fábricas, su abandono y su reapropiación, así como su relación con nociones de ritmo, espacio, performance, sonido y música.

Este taller eminentemente práctico parte del retrato que el cine y el videoarte contemporáneos han hecho de la llamada “cultura popular”. Veremos diversas formas de explorarla desde la imagen en movimiento y, a partir del análisis de diversos ejemplos, cada grupo de trabajo realizará una breve película en su entorno más inmediato siguiendo una de las líneas de trabajo propuestas. Abordaremos las distintas fases del proceso: concepción, preparación, grabación, visionado y edición, hasta exponer y discutir el resultado de su exploración. Investigaremos rápida e intuitivamente nuestro propio acervo, asumiendo que el artista o el cineasta contemporáneo nunca trabajan en condiciones ideales, pues “en un mundo perfecto, el arte sería inútil y el hombre no buscaría la harmonía, simplemente viviría en ella” (Tarkovsky), y que, en definitiva, “filmar es salir a un encuentro” (Bresson).

Acciones de arte y política, o donde el arte ha intentado interferir en la política convirtiéndose en una herramienta de lucha social, se han dado y se dan en muy diferentes puntos del planeta. Allí donde se dan situaciones de injusticia y opresión, donde hay artistas conscientes de ser una parte más de la sociedad y de su valor para traducir en imágenes y/o acciones esa lucha, aparecen este tipo de trabajos. En este taller analizaremos cómo han sido estas prácticas en las últimas décadas del siglo XX, especialmente en América Latina, donde las especiales circunstancias políticas hicieron que artistas, tanto a título individual como organizados en colectivos, se implicaran, del brazo de los/as demás ciudadanos/as en la lucha política, y también nos acercaremos a otras prácticas y artistas de arte social/político, tal vez menos “impactantes” pero no por ello menos efectivas.

El Seminario ofrece una reflexión general sobre el estatuto de las imágenes en el contexto contemporáneo de la convergencia digital y de la era de la posverdad. Como planteamiento general, se propone una aproximación al estudio de la imagen en su dimensión antropológica, como producto de la sociedad de masas, como representación y como producción simbólica.

Este seminario propone un recorrido sintético a través del último siglo de debates en torno a la historia, la estética y la política del arte, deteniéndonos en cuatro momentos destacados con el transfondo de la relación entre estas discusiones y los avatares sociales y políticos que les han sido contemporáneos.

FastBook consiste en elaborar colectivamente una publicación en tres días. El formato fanzine se adapta bien a esta propuesta por su identidad gamberra y desenfadada, por su producción sencilla y poco exigente en calidades de impresión y encuadernación

El seminario representa un viaje empírico-conceptual dentro de la complejidad comunicativa de los movimientos sociales contemporáneos. Se discutirán las limitaciones y los sesgos en la literatura sobre comunicación y movimientos sociales y se creará un nuevo vocabulario conceptual basado en prácticas, ecologías, imaginarios y algoritmos.

En este seminario se presentarán algunas posiciones que abordan la problemática de la producción y recepción de obras de arte desde la perspectiva de la Estética o Filosofía de las Artes. Para acercarnos a las preguntas sobre qué es y cómo se puede producir el arte y, cómo tiene lugar la recepción por parte del público de las obras de arte, nos serviremos de autores teóricos, filósofos que fueron ellos mismos artistas y reflexionan sobre el arte desde la cercanía y experiencia de su papel como productores.

Todo el profesorado del Máster en Producción Artística ejerce su labor docente en la Universidad Politécnica de València con una larga trayectoria a sus espaldas. Algunas asignaturas, así como la Semana de Profesores Invitados, se complementan con la visita de profesionales externos y docentes de otras universidad que le aportan un valor añadido al máster.

Seminario enfocado a la investigación contemporánea como proceso de retroalimentación transdisciplinar; de como la hibridación entre lenguajes artísticos y tecnológicos inducen procesos colaborativos que permitan explorar lenguajes artísticos reflejos de nuestra sociedad altamente tecnológica.

En este seminario se planteará un proyecto real donde se establecerán unas pautas para diseñar y crear una biblioteca móvil. Un artefacto que se pueda transportar por distintos puntos de la ciudad y que incite a la conversación acerca de la literatura a modo performativo y artístico.

Análisis de la creación artística en relación con la naturaleza en el último tercio del siglo XX con el fin de conocer las principales propuestas colaborativas y relacionales en este ámbito y su inserción en el concepto de arte ampliado que liga el trabajo artístico con el científico y el político.

Este seminario centrará su foco de atención en diferentes cuestiones teóricas que se dan cita en la performance contemporánea. Con el apoyo de textos críticos y material en video, el seminario plantea establecer una relación entre la performance, la institución y las cuestiones de género.

Aproximación profundamente interdisciplinar al concepto de espectador en el contexto de la historia de las artes visuales contemporáneas, atendiendo especialmente a lo acontecido en las últimas tres décadas.

Introducción a la noción de cultura digital, analizando cómo las nuevas tecnologías nos ayudan a movernos de la cultura del Read Only al Read Write, a través de la comprensión de un mundo en el que los individuos están en las mejores condiciones para cambiar y manipular el  contenido cultural, transformando gradualmente al consumidor pasivo en un productor activo.

Seminario dirigido a la práctica pictórica a partir de diferentes bases conceptuales, materiales y procesuales con indicaciones precisas pero abiertas, se trabajará con bases conceptuales.

Seminario para el análisis de la escena del arte y el cambio de paradigma desde el sistema del arte tradicional hacia un nuevo modelo más flexible y dinámico, en el marco de las sociedades globalizadas de la información y la comunicación, basado en el emprendimiento. Se combinarán clases expositivas para alcanzar los objetivos y contenidos propuestos, con el estudio de casos, la lectura de textos y la resolución de ejercicios y trabajos propuestos en el aula-taller, bajo la dirección del profesorado.
 Esta metodología favorecerá el aprendizaje colaborativo y autónomo del alumnado.

Este seminario se inserta dentro del proyecto Idensitat, que platea un trabajo basado en la temática del ocio como elemento articulador y generador de temáticas específicas, estéticas propias, espacios sociales y modelos de ciudad contemporánea.

A partir de las diferentes constantes del retrato compuesto fotográfico, tanto dentro como fuera del ámbito artístico, este taller teórico-práctico propone al alumno distintas posibilidades a la hora de abordar una propuesta relacionada con este tipo de práctica, bien desde un punto de vista autónomo, como un proyecto artístico de largo recorrido y mayor envergadura, o bien desde una perspectiva complementaria, como una obra aislada que pueda insertarse dentro de otro proyecto. Para ello analizaremos el uso del retrato compuesto y su desarrollo a lo largo de la historia a través de diversos ejemplos hasta llegar a su repercusión en la práctica artística contemporánea, donde su praxis se ha visto condicionada por el actual estatus de la fotografía y la influencia de Internet, además de su expansión a otras disciplinas como la pintura o el dibujo.

GIFs se han convertido en un referente de comunicación social de nuestros días. Pueden transmitir ideas complejas en apenas unos pocos fotogramas. Más que una moda pasajera se han convertido en una nueva forma de comunicación cultural. The New York Times Magazine y New Yorker, entre otros, han comenzado a apostar por la ilustración editorial en formato GIF. Lo que supone nuevos retos y exigencias para los dibujantes de greca editorial.

A través de varios ejercicios prácticos aprenderemos las herramientas necesarias para crear ilustraciones editoriales animadas. Será un taller intensivo para pensar tanto como dibujar, priorizando el concepto y la síntesis en el mensaje, y ahora además, el manejo del tiempo. Aprenderemos a cómo potenciar nuestro mensaje con el uso de la animación.

Los trabajos realizados en el taller se realizarán basándonos en noticias de actualidad y siguiendo la dinámica de trabajo real, con los tiempos y condiciones habituales. Una perspectiva de la ilustración vista no solo como una imagen estática que apoya un texto, sino también como un espacio con identidad propia, una ventana personal donde asomarnos a reflexionar y opinar.

The workshop aims to increase students’ understanding of the relationship between urban art and public space. In particular, it will be to reflect on the role it has played in articulating the contemporary city and redefining the way to do and to concept art. Urban art presents itself as a changing expressive form, characterized by a multiplicity of techniques, forms and supports and by a multimodal and integrated approach to the territory. In this perspective, we can reflect on the transformations of the visual perception, on the interactive imagination and on the translation process of different semiotics systems. The transmedia dimension has an important function in the discourse of an art destined to cancellation, transformation and replacement processes. The Internet archives, such as Google Street Art Project or Instagram, and the interactive maps, blogs, artist’s websites cooperate to the re-construction of the collective memory and determine a reduction of the boundary between local and global, central and peripheral. Starting with the analysis of some cases study, we will focalize on these emerging questions using an interdisciplinary approach to observe the aesthetic value systems and the cultural implications related to the living urban space.

El seminario se plantea como un análisis pormenorizado del proyecto de investigación e intervención fílmica CINE PROCESUAL (www.cineprocesual.org). Este proyecto está concebido y dirigido por Miguel Ángel Baixauli, y se desarrolla de diversas maneras en colaboración directa con CINE POR VENIR (proyecto del cual es co-director), la Fundación LA POSTA (coordinador de actividades) y ARTXIVIU de l´Horta (miembro fundador).

Cine procesual es un proyecto de experimentación e intervención cuya búsqueda apunta a los modos en que los procesos fílmicos se componen o pueden llegar a componerse con otros procesos sociales y otras prácticas de investigación e intervención artística y social. Nos interesa el diagnóstico crítico tanto como la experimentación práctica de esos modos de composición, actuales o potenciales, para activar posibilidades localizadas de transformación del dispositivo cinematográfico.

En el seminario se analizarán todas las facetas del proyecto (teóricas, prácticas e institucionales): desde la producción de ensayos fílmicos y documentales hasta las transformaciones de sus modos de recepción y circulación, desde los ejercicios de contextualización de otros cines a los aprendizajes fílmicos colectivos y los procesos de auto-producción cinematográfica en común. Se realizará también una práctica de diseño de micro-proyectos fílmicos colectivos que puedan insertarse en procesos sociales o comunitarios, además de coordinarse con otras prácticas de investigación e intervención artística y social.

Qué debe tener un book( ya sea en formato digital o en papel ) para llamar la atención de un editor americano o europeo o por lo menos para que no lo cierre en la segunda página .Nuestra finalidad en los días de duración del curso será crear un proyecto de cómic.Trabajaremos en todos los aspectos que configuran dicho proyecto a la hora de moverlo por las distintas editoriales y mercados internacionales ( mercado americano , franco-belga , etc…).Qué debemos mostrar y qué no en dicho book ,cuantas páginas dedicamos a los personajes , como explicar la historia , qué páginas debemos mostrar ya acabadas del proyecto , cuando es el mejor momento ( si hay que aprovechar las convenciones de comics , etc )….Intentaremos abarcar todos los aspectos que confluyen en la difícil tarea de vender una idea.

“Vive con tu siglo, pero no seas su criatura” (Schiller) El Arte, siempre en situación crítica, para ser ciertamente Contemporáneo ha de enfrentar su tiempo para hallar el modo de dar respuesta al mundo en que se ve inserto: Globalización, estallido de la burbuja financiera, desarticulación de lo público, comercialización de la cultura y consumismo, políticas para el arte y condiciones para la producción (social) del mismo.El arte no se produce, necesariamente, en aislamiento y es siempre una “manufactura”. Y, si lo que nos ocupa es la Producción Artística, será en la doble vertiente de generación de productos y del proceso de trabajo con la finalidad de crear algo nuevo. De activar los mecanismos de relación, antes que convertir la relación en mercancía. La unión de arte y acción buscará hacer coincidir memoria y deseo, creando las condiciones que impidan la repetición de lo mismo. De este modo, el arte será acción si produce experiencia compartida y la acción será arte cuando produzca discurso.

Stencils, printing techniques, screen meshes and materials used for screen-printing will be introduced. Information collected on multi-material approaches to printing. Research collected on multi – material and multi – surface approaches including talcum powder – acrylics – water colour – acrylic – charcoal and graphite – including preliminary approaches to making printing matrices. Individual assistance will be given in making and printing images and technical advice will be offered in helping to determine the optimum proof in developing the finished print. Technical artistic problems and solutions will be discussed.

El curso ofrece al alumno, por una parte, la posibilidad de conocer y analizar cuáles son las estrategias que le permitan, tras el periodo universitario, seguir avanzando como artista profesional. A partir de un caso concreto analizaremos diferentes experiencias en el ámbito profesional: la posibilidad de ampliar la formación académica, la participación en concursos, el trabajo con galerías, la solicitud de becas y subvenciones, las residencias de artistas. Revisaremos además la redacción del curriculum y del statement, así como la confección del dossier de obra impreso y de la web del artista. Hablaremos sobre cómo ser fragil y fuerte a la vez, la confianza en uno mismo, sobre el fracaso como éxito, la necesidad del trabajo en equipo, el riesgo profesional y de cómo combatir el vértigo. Los alumnos podrán exponer libremente sus dudas y casos concretos. El curso es teórico-práctico.

El taller propuesto por el profesor Piero Mottola se desarrolla en dos fases.En la primera parte se aborda, desde un punto de vista histórico, las teorías artísticas y musicales más importantes del 900, desde el Arte de los Ruidos de Luigi Russolo a la Música Concreta francesa; del Erratum musical de Marcel Duchamp a la Música Aleatoria del arquitecto y músico Jannis Xenakis; de la participación del público en las noches Futuristas a las acciones musicales del movimiento Fluxus; de la generación del sonido abstracto de los Intonarumori a la música Electrónica y Espectral de Dufor y Grisey.La segunda parte está dedicada a un laboratorio experimental sobre la estética del ruido. La enigmática belleza, su carácter subjetivo e inaprensible pueden constituir un argumento de exploración, valoración y medición para lograr, a través de un método experimental, una forma de perfeccionamiento progresivo. Con los participantes del curso, se llevarán a cabo algunos experimentos utilizando un método de 10 parámetros emocionales, con el fin de estudiar la potencialidad evocativa y estética de los ruidos. Para indagar de forma exhaustiva la variabilidad interpretativa y emocional de algunas estructuras acústicas experimentalmente organizadas.

El libro alternativo es el espacio idóneo para desarrollar un proyecto determinado y donde se aprecie el proceso creativo de los artistas visuales, su producción amalgama diversos recursos técnicos (tradicionales o con nuevas tecnologías) y metodológicos, además de que permite abordar cualquier tema de interés ya sea público o privado, histórico y contemporáneo. La producción de libros alternativos es vigente y permite al artista mantenerse actualizado mediante propuestas novedosas. Se pretende como objetivo general: introducir al alumno al campo de la producción e investigación de los libros alternativos: de artista, objeto, híbridos y transitables, así como estudiar y analizar sus características de este tipo de libros, de acuerdo a las experiencias obtenidas en la impartición de talleres y, a la producción personal y de otros artistas visuales. Y Como un primer objetivo particular el Seminario-Taller: permitirá de acuerdo a los conocimientos proporcionados a través de material bibliográfico y visual, elaborar un proyecto grupal con características particulares. Así mismo como un segundo objetivo particular, el alumno justificará el proyecto como un proceso creativo, mediante el cual se podrá utilizar diferentes recursos, creativos, metodológicos y técnicos para su producción de acuerdo a su propuesta particular.

Walter Benjamin asserted in the thirties that visitors should leave exhibitions not ‘more knowing’ but ‘smarter’. This challenge can be overcome by elaborating interesting and exceptional thematic questions and approaches, by attaching new contextualizations to presented stories and exhibits, by consulting and integrating themes and methods of various disciplines, and last but not least by the way exhibitions excel in humour and irony …Starting with descriptions and analyzes of exhibition projects Karl Stocker put in practice in the last years, the workshop focuses on contemporary trends in exhibition and museum design in its second part. It finishes with the development of exhibition concepts by the students.

Los escenarios se considerarán desde una perspectiva compositiva a la vez que personal, derivada de propias experiencias. Se realizarán cuatro trabajos, uno por día, y una revisión final bajo las consideraciones que se expondrán sobre la construcción escenográfica y de ambiente, como estructura para la composición pictórica. Si bien el enfoque se dirige a la composición en el cuadro, se utilizarán otros medios como el dibujo, la fotografía y el transfer, aunado a la pintura, para crear ensamblajes a manera de relieve, para un entendimiento constructivo del escenario pictórico. De manera paralela se hará una revisión histórica del arte mexicano, bajo consideraciones sobre el espacio en la obra artística.

Microcontroladores, tecnología de sensores, robótica, rapid prototyping, Tangible User Interfaces (TUI), video tracking o 3D Video-Mapping son algunas de las nuevas herramientas de creación del artista contemporáneo. El curso comenzará con la presentación de los proyectos desarrollados por el profesor Federico Muelas en este campo. Posteriormente se desarrollará un proyecto práctico breve. En esta última década, gracias a la proliferación de las herramientas de hardware y software libre y al crecimiento exponencial del movimiento DIY y MAKE que ha facilitado en gran medida la democratización del conocimiento especializado, el artista tiene acceso a un poder creativo tecnológico desconocido hasta el momento. El artista multimedia, hoy más que nunca, es a la vez consumidor y productor de las herramientas tecnológicas actuales de producción artística y su actividad goza de una vasta difusión instantánea en los predominantes medios de comunicación social.

El seminario abordará el libro como soporte de estructuras narrativas secuenciales, no lineales. Los participantes podrán: 1. Hacer algunos libros, con estructura innovadora, utilizando materiales diversos. 2. Aplicar diferentes estrategias de elaboración de imágenes y textos en estos libros. 3. Considerar la transición potencial del libro desde la bidimensionalidad a la tridimensionalidad.

El curso pretende investigar algunos procesos pictóricos de la actualidad. De igual forma busca identificar el lugar que ocupa la pintura hoy día, y cómo se inserta dentro del discurso del arte contemporáneo. A partir de ejemplos ilustrados, lecturas y demostraciones técnicas, se examina, de igual manera, acercamientos del discurso pictórico a lo periférico de la pintura misma. Conceptos como deconstrucción, expansión, no pintura, huella, invisibilidad, estratificación y fragmentos son algunos de los temas tratados que posibilitará una mirada diferente sobre este medio tradicional de la plástica.

MOKULITO es una técnica relativamente nueva. Ozaku Seishi, profesor de la Universidad de Tama Bijutsu, en Japón, comenzó a experimentar con ella en la década de 1970, usando madera contrachapada en lugar de la tradicional piedra litográfica. Esta técnica fue posteriormente desarrollada y ampliada en la Academia de Bellas Artes de Katowice, Polonia. La técnica complementa y amplía las posibilidades que ofrece la litografía tradicional como medio de expresión, enriqueciendo el lenguaje gráfico del artista. El profesor Pawel Frackiewicz considera esta técnica uno de los procedimientos de impresión que encuentra más convincente y lleno de sorpresas.

¿Qué es una exposición? ¿Qué quiere decir «exponer»? ¿Cómo exponer se relaciona con el lugar donde se materializa? ¿Es que ello supone que nuestra percepción y nuestra lectura del lugar cambian con respecto a la exposición? ¿De qué maneras distintas podemos dirigirnos al pùblico espectador? ¿Cómo escogerlas? ¿Cómo ello puede afectar la percepción de las obras expuestas? Lugar (Site), No-Lugar (Non-Site), In-Situ,…… La importancia material del lugar físico donde se realiza la exposición, del espacio, de la arquitectura, son nociones que serán abordadas durante las cuatro sesiones de trabajo con los participantes en el máster. Dichas preguntas y otras más se plantearán como puntos de partida de una reflexión destinada a sensibilizar a las problemáticas derivadas de toda exposición, de todo acto de mostración de un trabajo plástico.